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活动介绍

CompaignIntroduction

"屋顶公社艺术家"是我与夏威夷的风-周末屋顶公社（AlohaRooftopWeekendCommune）合作的一个小小的现场活动。每周六下午四点到八点是我们的活动时间。

每期活动现场我会与大家一起分享一位有意思的一位艺术家。本文是我阅读参考资料以后重新整理，抽取重要信息编撰而成。希望通过活动跟大家分享这些年我通过阅读认识的一些有趣的艺术家。并与大家一起动手画画，享受涂涂抹抹的快感。

第期

大卫·霍克尼

DavidHockney

-

"最具影响力的在世艺术家之一"

"极富创见的艺术思想家"

大卫·霍克尼年出生于英国布拉德福特，是当今世界最具影响力的在世艺术家之一。他创作出了半个世纪以来最有识别度的生动图像，色彩瑰丽，备受赞誉。他的艺术生涯横跨了多个领域，包括从拼贴摄影到歌剧舞台设计，从用传真机制作画作，到深入研究艺术史上的古典名家如何利用光学仪器进行创作。而他的作品也几乎包括所有可以使用到的媒材，包括油画、水彩、摄影、印刷版画等等。

霍克尼始终保持与时代同轨。他一直使用时代最前沿的科技参与创作，包括传真机、激光影印机、计算机。年，73岁的霍克尼时候拥有了第一台iPad，他开始运用iPad进行创作，颠覆对于笔触和线条的习惯性表达。

霍克尼在年获得皇家艺术学院的金牌奖。年，26岁的霍克尼就已于英国举办第一次个展，其后至今已在全球范围内举办过近四百场个展，获得极高声誉。霍克尼在他的职业生涯中获得了相当数目的荣誉，包括来自世界各地不同机构的9个荣誉学位。年，英国女王伊丽莎白二世为其颁发了英国功绩勋章。

大卫霍克尼喜欢中国。年夏天，他曾到中国旅行。他去过北京的一所艺术学校，却发现中国的美术教育是完全西化的，甚至还在进行“照片写实”，没有看到真正的中国传统艺术。但是他旅行到桂林的时候却遇见一位小画家。这位小画家用毛笔的手法让霍克尼意识到毛笔可以创作出如何生动的图画。中国的卷轴画对霍克尼的空间思维产生了深远影响。他认为中国人在卷轴画中巧妙处理了时间，空间，叙事，观众可以在画中云游，观众的身体"属于自己"。

剧场设计/架上画/照片画/多媒介创作

01

霍克尼的剧场设计——

在流行的抽象的剧场设计风格中重新引入具像元素

年，霍克尼接到歌剧导演约翰·考克斯（JohnCox）的邀请，为格林德本歌剧院排演的拉斯文斯基的歌剧《浪子生涯》设计舞台背景。

那个时代的剧场设计风格，被阿道夫·阿皮亚（AdopheAppia）所主宰。阿道夫·阿皮亚将传统的写实主义，将舞台的形、色、光进行了极大简化，使得舞台空间既漂亮又简洁，同时又大大降低了成本。到了60年代以后，这种影响无处不在，且良莠不齐。好的抽象能让观众产生丰富的联想，获得启发，而抽象如果只是简单的简化会染观众对场景摸不着头脑。霍克尼决定在他的设计中重新引入具像绘画。不仅如此，霍克尼还独创性的将设计作品做成了模型而不是简单的草稿。因为他不想将自己的草稿再由其他人诠释成真正的空间。

为歌剧《浪子生涯》设计的布景

霍克尼的剧场设计工作一直持续到九十年代。其中有《魔笛》，三联剧《游行》《提瑞阿斯的乳房》《孩子的魔法》，三联剧《春之祭》《夜莺》《俄狄浦斯王》等。

霍克尼的舞台设计非常迷人，充满生动的想象力。比如在给《孩子的魔法》做舞台布景时，他就曾经到玩具店去寻找灵感。一盒方块积木激发了他的灵感：一块方块有六个面，可以通过翻转就能实现6个不同布景。于是这个想法成功的运用进了他的舞台设计。

上图：霍克尼在玩具店找到的积木

下图：歌剧《孩子的魔法》场景

到了年，霍克尼已经为6出歌剧、3出芭蕾舞剧以及《愚比王》。策展人马丁·弗里德曼（MartinFriedman）邀请霍克尼展出他的舞台设计作品。题为“霍克尼画舞台”，展出在明尼阿波利斯的沃克艺术中心展出。展出中霍克尼将舞台布景全画出来，人物、动物等角色画在画板上，陈列在背景之前。让观众产生身临其境之感。展览很成功，从美国小城明尼阿波利斯展到墨西哥。在墨西哥的展出观众有竟有25万人之多。

大幅手绘背景的两个细节

参照歌剧《魔笛》中萨拉斯特洛花园设计

霍克尼为"霍克尼画舞台"展出准备作品

霍克尼的艺术，空间一直是一个非常重要的主题。舞台设计的经验为他提供了重要的思路。曾经提到意大利的舞台与英国莎士比亚式的舞台之间的区别：意大利的舞台与英国的舞台空间完全不一样。意大利的舞台是一只“盒子”。这种剧场有一种台口，台口代表一个平面。观众在平面之前，舞台空间在平面后。像是以这个平面为起点，向后挖空的一个“盒子”。观众有一个相对固定的视点。电视机，电影屏幕是意大利式的概念。但是英国不一样，英国流行一种莎士比亚式的舞台，舞台是一直延伸到观众中去的。在莎士比亚的剧场里，观众是身在整个表演的场景之中的。这给霍克尼如何突破单点透视的空间，如何重新定义观众的视点位置提供了重要的启发。

歌剧《克里斯坦和伊索尔德》第一幕

歌剧《图兰朵》

02

霍克尼的油画——

与自然主义对抗

突破空间透视——

错误的空间透视的神奇魅力

接到第一个剧场设计订单的年前后，霍克尼的绘画创作一直在自然主义的泥潭中寻求突破。在完成第一部舞台剧《浪子生涯》以后，霍克尼画了一幅油画《柯比的有用知识（仿货加斯）》。这是一张利用他舞台设计元素，仿制一张小幅线条版画《布鲁克·特勒博士透视法》创作的。这幅小版画是威廉·贺加斯所做，年出版。他之所以被这幅画吸引，是这幅版画里出现的错误的空间透视，使得画面产生了神奇的魅力。在画《柯比》以前，他还画了一张《编造的人揭开静物》。在这幅画中，霍克尼在画面上留白，制造了特殊的空间效果。这两张画都是有关空间的，利用空间或者制造空间，用不同的方式描绘出绘画空间，突破绘画中的写实主义。

上图：威廉·贺加斯《布鲁克·泰勒博士透视法》

下图：霍克尼《柯比的有用知识（仿贺加斯）》

与自然主义决裂——

来自诗的激发

霍克尼与自然主义的决裂，其灵感的激发却是来自受华莱士·斯蒂文斯（WallaceStevens）的诗，《背蓝色吉他的男人》（TheManwiththeBlueGuiltar）。霍克尼不太懂他写的是什么，似乎是某种想象，但是直觉觉得这首诗太棒了！经由朋友解读，原来这首诗是受毕加索《蓝色吉他手》的启发，有关想象改变实物，包括改变观看的方式。受这首诗的启发，他开始画一些素描，还为这首诗画了一系列版画。

上图：蚀刻版画《我说他们是》

下图：蚀刻版画《这张毕加索画的是什么》

在画这批蚀刻版画的时候，霍克尼的想法迅速发展。他开始意识到自己在突破自然主义。他甚至摒弃了绘画是“在盒子空间里”的概念，而这个概念正是他做舞台设计所运用的。

通过这批蚀刻版画的发现，霍克尼画了两幅油画《有蓝色吉他的自画像》以及《模特与未完成的自画像》

《有蓝色吉他的的自画像》

《模特与未完成的自画像》

《莫妮卡大道》的僵局——

在绘画的探索道路上，

大师与绘画爱好者是一样的学生

年，霍克尼画了一张《圣莫妮卡大道》的20英尺的大画，花了6个月时间，至今仍然是一个未完成的作品。他一直在努力超越自然主义式的描绘，超越常规的错觉空间，但是这幅画把他往老路上拽。这幅大画让霍克尼受阻，他一直与之搏斗，不断改变它的外貌。最终在这张画布上差不多画了10张画。他汲取每一幅画的画意，不断把它转成小画。这张画是横构图，但目光够不到两头。画面也太静止了。他希望将画面摆脱静止元素主导的局面。始终不成功。后来，霍克尼在《马尔霍兰车游：通往工作室的路》，与《与克里斯托弗和唐一同探访圣莫妮卡峡谷》采用了《圣莫妮卡大道》同样的构图，但是比这幅画好太多。《圣莫妮卡大道》横向构图太多，巨大的尺幅又强化了横向的形，所以非常难以突破静止。霍克尼后来自己总结到：“我再也不会干这样的事儿了，不会反复画同一幅画。而要转而画另外一幅。这样一来，我的确能画的更快，画题也会更广……一张画如果画的时间过久，容易画过头。而一旦加快节奏，画面就会变的新鲜起来。”

《圣莫妮卡大道》（局部）

《马尔霍兰车游：通往工作室的路》，

在与这幅大画搏斗期间，霍克尼开始画一些小画来转换思路。比如这张《优雅的西莉亚》。霍克尼这么解释道：

这种笔没有尖头，画起来感觉不一样。不论用什么媒介，关键是你的顺其自然。我一直喜欢变换媒介，通常都是顺其自然而不是强其所难。我喜欢用秃笔。手持秃笔，就得换个画法。我经常这么干——故意换个媒介，强迫自己改变方向。

部分由于《圣莫妮卡大道》带来的自然主义的困境，霍克尼开始转而做摄影。

《优雅的西莉亚》，

03

非绘画作品的创作——

探索不同媒介创作的可能性

用相机画画——

立体主义的再发掘

年5月，伦敦国家美术馆要为霍克尼举办“艺术家之眼”的摄影展。为了这次展出，霍克尼开始用用拍立得相机做照片拼贴作品。6月，摄影展到了纽约，霍克尼重新命名为“用相机画画”。

上图：格雷戈里

下图：大卫·格雷夫斯

这次展览，点燃了他对立体主义、毕加索的强烈兴趣。他说：“从某种程度而言，正是摄影使我再度思考立体主义的观看之道”。

同年，霍克尼画了一张4幅不同肖像构成的拼贴画，努力汲取拍立得照片拼贴的意味。

《大卫、西莉亚、斯蒂芬和伊安》，

年秋，霍克尼和朋友一起去大峡谷，在那里拍了很多照片。他用了一架小型的潘泰克斯相机。与拍立得照片不同，他不能马上看到效果。如果要达到拼贴画的效果，在拍摄过程中他必须记得那些角度已经拍过。记忆成为重要因素。他考虑开始发展这个想法。于是有了《拼字游戏》。这幅作品是霍克尼母亲来他住所过圣诞节时所作的。真是这幅作品，他看出自己第一次运用叙事手法，运用了新的维度——时间。

《拼字游戏》，

年2月，霍克尼制作了这张《步入龙安寺禅园》。他拼了多张照片。当他首次将他们拼贴起来的时候，他认为他自己在这幅作品中，构建了一张没有透视空间图像。

《步入龙安寺禅园》，

在《步入龙安寺禅园》之后大约18个月后霍克尼完成作品《书桌》。这件作品对霍克尼非常重要，通过这次尝试，霍克尼学会了在空间建构物体。

《书桌》，

后来，在《梨花大道中》，霍克尼成功的将两者结合。

《梨花大道》（局部），

《看展板上的画》——

原作与复制品的关系是什么？

观众怎么看？

霍克尼一直对复制这个概念感兴趣。他认为原作的复制品对艺术家非常重要。首先，绝大多数的观众是通过艺术家原作的印刷品了解艺术家的画作的，通过印刷品的复制，更多人能够看到他。其次，他觉得毕加索比安德鲁怀斯受欢迎，原因是因为毕加索的作品被广泛复制（应该指的是被广泛的艺术家学习，借鉴，因为比起怀斯，他可容易复制的多），第三，印刷品本身有自身的特性和局限。像罗斯科这样的艺术家的作品，印刷品是无法充分体现出作品真正的力量。基于以上原因，霍克尼认为复制，以及复制品值得认真考量。

安德鲁·怀斯技巧很高，学习的难度很大

罗斯科的作品笔触表现细腻丰富，看原作才能感受

年，霍克尼在伦敦国家美术馆举办“艺术家之眼”展时，他在那次展出中展出的画作叫《看板上的画》这幅装置作品。

《看板上的画》画的是亨利·盖尔扎哈正在看展板上的图画复制品。为了画这张画，霍克尼在国家美术馆买了这些绘画的复制品，钉在工作室的墙上。展览的时候，一面墙，挂着霍克尼画的这幅画，另外一面墙霍克尼做成真的展板，钉上他购买的画作复制品，放上他画中的真的沙发。而在第三面墙，他挂上真正的原作。

这件作品不是答案，而是提出了一个问题：原作与复制品的关系是什么？原作与复制品对于观众的关系是什么？艺术家该怎么对待？

《看展板上的画》，

用复印机和传真机创作——

复制本身作为再现手段

到年间，霍克尼一直潜心学习版画制作。版画思维是把颜色分层，一层一层去思考。正是制作版画的经验，使得霍克尼尝试用复印机创作作品。版画创作就是利用印刷技法建构图像，这是一种复制手段。而复印机也是一种复制手段，但是复印机可以复制出意想不到的效果，复制次数越多，变数也越多，结果约不可预知。有时候一张图像会复制12次之多。

《彭布罗克工作室的蓝椅子和灯》

《彭布罗克工作室的两把椅子》，

年，霍克尼开始利用传真机创作。传真机读得懂不透明的灰色，他自己会将其转换成疏密分布的点。霍克尼混用各种不同的灰色，让传真机讲这些不同的灰色用它自己的方式再重新输出。

上图：无题传真，展现图中有图的场景

下图：无题传真，展现传真机如何制作出倾侧图像

《网球》（局部），

从电脑到ipad绘画

年霍克尼买了一台苹果电脑。他开始在屏幕上作画然后打印输出。用电脑绘制的过程让霍克尼感觉非常有意思，在这个过程中，没有用到任何复制，完全是“原创”的，在印上画册之前，读者只能在电脑屏幕上看到它。用于印刷的片子是他用电脑磁盘直接输出的，磁盘包括印刷所需的，他指定的一切色彩、线条，肌理和调子。

霍克尼用新技术进行绘画一直持续到现在。近年，霍克尼开始用ipad进行创作。

用苹果电脑绘制的《行走的植物》，

时间与空间的维度的探讨/艺术的快乐/艺术家的责任

现代以后，艺术家的作品，至少有一半价值内涵是与艺术家的想法捆绑在一起的。艺术家的创作的动机，表达的概念非常重要。

霍克尼的多数作品与空间概念有关。他是一个非常有好奇心的艺术家。他常常在科学中创作灵感。比如，最新科学界在研究多维度空间的可能。所以，三个空间维度一个时间维度的四维时空观也许会被打破。也许人们习惯的空间只是一种错觉。文艺复兴时期，人们发明了描绘空间的一种新方式：采用灭点似乎能让绘画显得更真实。真的是这样吗？为了突破这一已经形成固定描绘空间的方式，他在立体主义与中国卷轴画中找到了启示。创作了大量照片拼贴画、版画。

霍克尼的作品始终保留了具象。他不同意格林伯格关于严肃艺术家不会再做具象创作的说法。他认为"描绘"，"再现"是根植于人类内心的本能冲动。至于再现手法，霍克尼大胆开创了照片拼贴画，利用复印机和传真机再创作。到了晚年，他甚至用电脑和ipad作画。

霍克尼的创作，观众是他考虑的核心要素。仍然是来自科学界到啓示：人们已经意识到没有测量者就没有测量，实验者对实验产生影响。而观察行动本身就对被观察者产生影响。而艺术品到观察者是观众，观众如何看画？要把观众置于什么位置？是让他们作为旁观者还是拉进画面？这些都是霍克尼探索到议题。

霍克尼本人是一个内心温暖，快乐的艺术家。有人曾批评他的作品太过快乐，有时像是在游戏。他坦言自己未曾经历过大苦。即便是有痛苦，他也牢记母亲告诫他的话：别忘记这个世界有更多痛苦的人。所以痛苦对他而言，没有必要让观众来承担。

关于艺术家承担的责任。他说，他享受生活，他能自娱自乐，所以他想把他感受到快乐以及思考的问题提出来，并将他试图解答这些问题的答案分享给观众。他认为艺术不是少数人的奢侈品，而是每个人活着的必需品。

关于死亡，霍克尼的思维是东方的，神秘主义的。他说：在过去如果有人问我死后还有没有生命，我会耸耸肩膀，死了就是死了。而如今我对这个问题不那么肯定了。生命本身已经如此神秘，我们干吗要拒绝神秘的，死后的生命呢？

最后提一提霍克尼的《泳池》系列。《泳池》是霍克尼早期到创作。年，杰克·哈赞为大卫·霍克尼拍摄了纪录片《AbiggerSplasher》这部影片记录了霍克尼的创作过程以及情感生活。也许是这个原因，霍克尼流传最广，最具辨识度的作品，是这个《泳池》系列。

本文主要内容是编撰自霍克尼所著的《我的观看之道》一书。该书记录了霍克尼一生主要的创作历程以及他对艺术、人生的思考。《泳池》系列一张作品未提及，对这部纪录片这只是提到这部片子在巴黎上映，对他当时的工作和生活产生了一些小小的惊扰。因为有人会在路上认出他，甚至有人会去拜访他的工作室。

《泳池》

活动内容及福利

CompaignBenefits

大卫·霍克尼的活动计划举办两周

将完成作品：

7月18日将完成上图（暂定）

7月25日将完成上图（暂定）

活动费用：￥45/人

你将获得：红酒或冰咖啡一杯

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